先日、Intermezzoというダーバンのブランドのマフラーを頂いた。多謝。
さてこのIntermezzo、普通に読めばインテルメッツォだが、ダーバンはインターメッツォなのだ。これがイタリア語なら、多分インテルメッツォが 正しいが、言語というのは意外にこれをインターメッツォと読んでいる国なり地方なりがあるのかも知れない。単純に間違いと決めつけるわけにはいかない。
例えばAeroという接頭辞は、「エアロ」だが、Aeroflotは「アエロフロート」だ。でも、Aerosmithはアエロスミスではない。エアロス ミスだ。元々このAeroはAir（空気）のことだから、「えあーろ」とうことだと思うが、アエロフロートはロシアの航空会社だからなのか、それにしたっ てAeroの部分は飛行機を表す英語だから、どうもよく分からない。
さて、同様に、Intermezzoも、インテルメッツォとAtokで打って変換すると、Intermezzoと表示されるのだが、インターメッツォと打っても、実は同じ単語が出る。
そもそもこの言葉は、「間奏曲」を表すイタリア語のはずなので、本来は「インテルメッツォ」のはずだ。音楽用語は、イタリア語やドイツ語がほとんどなので、これはインテルメッツォであると疑っていなかったのだが、これは微妙な聞き取りの違いとしては、表記が大幅に違う。
実は辞書によると「インテルメッゾ」と書いてあるものもある。いっそのこと、「インターメッゾ」とでも書いてくれれば、明らかに英語読みの誤表記では、 と思えるのだが、そもそもイタリア語の素養どころか、英語の素養もあまり無いので、どうもただ釈然としない気持ちだけがしこっている。
閑話休題。
間奏曲と言えば、忘れられないのがカラヤン指揮によるレコードだ。この「うちでのこづち」で、マスネの「シンデレラ」というオペラについて書いた時にちょっと触れた。
この中でカラヤンは、必ずしも全て著名ではないけれど、間奏曲が単体で聴いて楽しめるものを10曲前後収録していた。CDになって曲数が増えていたが、ものによって何でこれを追加？みたいなヴァージョンもあった。
カラヤンは死後、「アダージョ」というアルバムをグラモフォンが発売してベストセラーになった。私自身は聴いていないが、「アルビノー二のアダージョ」とか、言ってみれば静かなクラシックの寄せ集め。そしてこの原点が多分、この間奏曲集だ。
「椿姫の第三幕の間奏曲」「カヴァレリアルスティカーナの間奏曲」「道化師の間奏曲」「友人フリッツの間奏曲」「マスネのタイスの瞑想曲」「修道女アンジェリカの間奏曲」くらいまでは覚えているが、後何が入っていたか思い出せない。
これらはどれも静かで美しい、言い方を変えると、いい睡眠薬の音楽だ。
基本的にはそれに続く楽章のテーマになるようなメロディーが使われている。
インテルメッツォとはそもそも、オペラ・セリア（シリアスなオペラって事だ）の幕間に関係ない喜劇を入れるという、それだけ考えると意味が分からない仕組みの、その喜劇のことだ。ペルゴレージの「奥様女中」が有名だ。・・・あのCDはどこへ行ったの・・・
それが、幕と幕を繋ぐ間や、場と場を繋ぐ間、あるいは、オペラとは関係なくても、何かの間に挿入される曲などが、いつの間にか間奏曲になった。日本語で 間奏曲と書けば、非常に意味はよく分かる。mezzoとは、メゾフォルテとかメゾソプラノでも解るように、中くらいとか、真ん中のという意味のようだ。 interも多分英語的にはそんな感じだ（インテル入ってるっていうのもきっとそんなところだろう。英語ではIntel Insideだが、これをインテル入ってるに言い換えた人は頭がいい。・・・余談だ）。だから、インテルメッツォは、中の音楽というような意味なのだろ う。
さてこのカラヤンのアルバムを聴いてみると、たとえオペラが総合芸術であっても、十分抜粋で楽しめるというのが私の意見だった。例えば、レコード やCD でオペラを聴く場合、１枚とか１面だけとかいう聴き方を普通にできるから。歌唱もイタリア語だったり、たまにドイツ語やフランス語、ロシア語だったりする わけだが、そもそも何を歌っているか解らないので、筋は追わない。
ところが、なかなかオペラを見にいく機会がなかったのだが（オーケストラコンサートばかりで）、ここ数年、たまにオペラを見るようになると、ああ、CD では見えていなかったものが（言葉の意味としては当然だが）あったのだ！という思いに、これまでオペラを見なかったことを後悔した。
オペラ公演の唯一の欠点は、休憩時間が長いことだが、これは歌手のことを考えればやむを得ない。これのせいで、2時間のオペラは3時間以上になるし、た いがい6時は過ぎて始まるので、9時過ぎまで食事はできない。これは日本の劇場では当然だ。海外のホールを知らないが、さすがに映画館のように座席で何か を食べられるとは思えない。せいぜい、幕間のサンドイッチとコーヒー程度だ。
しかし最近は、字幕もしっかり出るから、内容も追いやすいし、極めて快適だ。
もちろん、それでカラヤンの間奏曲集の価値が下がったわけではないが、オペラは再発見だったのだ。
さてそのカラヤンの間奏曲集で思うのは、60年代から80年代にかけて、カラヤンが帝王として君臨していたクラシック界だが（CDの収録の長さにまで影 響を及ぼすのだからたいしたものだ）、カラヤンという指揮者は、実にこういう種類の、いわばエンターテインメントとしてのクラシックの扱いが上手いと思 う。多分、R.シュトラウスも走だったのではないかな？と思わせるほど、カラヤンのR.シュトラウス作品もいい。美しく聴かせるすべをわきまえている。ベ ルリン・フィルというのもミソかも知れない。
とにかく間奏曲、Intermezzo、侮るなかれ、ということで。

　「ツァラトゥストラ」は、前にも書いたが、私が最も古くから聴いているクラシックの一つだ。もちろんＲ．シュトラウスの交響詩だ。ニーチェの作品のことではない。
この作品は冒頭のファンファーレのような部分があまりに有名だが、わずか１分半だ。この後に30分以上の曲が残っているわけだ。
私自身、映画「2001年宇宙の旅」のおかげでこれを聴くようになったのだが、確かに最初のうちは、冒頭しか聴かなかった。そこしか面白くないとも思っていた。だが、案に相違して、後半が素晴らしくいい。それに気づくのにはそれほど時間もかからなかった。
この作品はニーチェの原作に合わせて、部分分でタイトルが付いている。序奏に続いて、「後の世の人びとについて」「大いなる憧れについて」「歓喜と情熱 について」「埋葬の歌」「科学について」「病から回復に向かう者」「舞踏の歌」「さすらい人の夜の歌」の順番で演奏される。但し、楽章に分かれているわけ ではないので、全体は切れ目無く演奏されるが、それぞれがテーマを持って作られているわけだ。
交響詩というのは名称としてはリストが創始者だが、一般的な理解で言えば、複数楽章に分かれていない、標題付き交響楽だろう。例えば、幻想交響曲は交響 曲だが、リストの「前奏曲」とか「マゼッパ」とか、「タッソー」なんていうのは単楽章で、いわゆる交響曲の体裁を為していない。そして、内容がタイトルに 左右されているから、交響詩という名前を思いついたのだろう。
そもそも交響曲も、現代音楽まで含めれば、「作曲家が交響曲という名前を付けたから」交響曲なのではないかと思えてくる。第１楽章がソナタ形式 で、急・緩・メヌエット、またはスケルツォ・急という、学校で習うような形式でできていない交響曲も多数ある。ショスタコーヴィッチの交響曲２番や３番な どは、交響詩ではないのか？サン=サーンスの交響曲第３番はオルガン協奏曲ではないのか？とか、そもそもソナタ形式って何？とか。
物事は何でもそうだが、現代に到るまでに、非常に形式美を大切にした時代があり、そうした人たちがいる。もちろんそれを否定はしないが、同時にそう言った形式は、完成されれば、今度は破壊されていく運命にあるのだ。
提示部－展開部－再現部というオーソドックスなソナタ形式の、安定した音楽は、ハイドンやモーツァルト、ベートーヴェンなどを聴くとそのまとまった良さはよく分かる。
だが、あれもこれもそうだったら面白くないと考える人もいるし、思い立った楽想がそれには当てはまらない人もいるに違いない。実は、音楽の多くはかなり疑似ソナタ形式で、ポップスだってその例に漏れない。
ビートルズのイエスタデイという曲があるが、まさにこれなんてそのままだ（私はほとんどビートルズを聴かないが）。主題の２回繰り返しなんていうのもポップスでは常套手段だ。
交響曲の第１楽章も当然それがある。
さて、そういう意味では交響詩というのは実に自由な形式で曲が書かれている。行ってみれば、かつて序曲なんていう名前で呼ばれていた曲で、実はオ ペラの序曲でも何でもない楽曲は、名前がなかっただけで交響詩と言ってもいいくらいなのだろう。但し、古いものはこれもソナタ形式で書かれているらしい。
音楽の主題というのは調性音楽ばかりでなく、１曲全体のイメージを決める物で、多くの場合、何らかの拘束力を持つ。先日購入したペンデレツキの「聖ルカ 伝によるイエス・キリストの受難と死」という曲では、確かどこかの楽章で、B-A-C-Hという音列を12音技法で変奏していると、解説に書いてあった。 いかにもという感じだが、そういうものなのだろう。
当然、「ツァラトゥストラ」も全体を支配しているイメージはあるし、私は音楽の勉強をほとんどしていないので（学校の時は大嫌いだったので）、後 からちょびちょびとかじったにわか知識で、どの旋律がどう変奏されてという話になってくると、何となく聴いて判るのはブラームスまでだ。正直、R.シュト ラウスはよく分からない。
ただ、全体を通じて流れるイメージみたいなものが、いくつかの旋律で支配されているのや、それぞれが関係調とかよく分からないがそう言った関連を持ってなっているのも判るような気がする。
だから、ソナタ形式かどうかという問題は、実は音楽が持つ根本的な問題、メロディーの親和性みたいなものが１曲の中では重要な鍵だと言うことだろう。これはもう、人間がそもそも感覚的に持っているものなのだと思う。
「ツァラトゥストラ」は、私にとっては、非常に美しく、自分にフィットする音楽なのだ。「ドン・ファン」や「ティル」よりも。「英雄の生涯」よりも好きだ。
この交響詩というジャンルは、昔から好きなのでシュトラウスばかりでなく、リストや、ドヴォルザーク、ドビュッシー等々よく聴いてきた。ドビュッシーの 海なんて交響詩と名前が付いているが、３つに分かれているし、そうなると単楽章の・・・なんていう定義もおかしな物になってくる。
要するに、私の理解だが、作曲家がどんな名前を付けるかで決まる。それしかないな。

　ディオと言えば、私にとっては＜ロニー・ジェイムス・ディオ＞ELF、レインボー、ブラック・サバス、ディオというバンドに在籍し、ボーカルを担当していたディオその人のことだ。1948年生まれと言うことなので、現在56才。
メジャー・デビューはELFらしいので1970年。ファーストアルバムは72年の「ELF」。ロニーが妖精というより悪魔にコスプレしたジャケットだ。 クレジットにはRonald　Padavona　とある。本名だ。そして、Bass & Vocal。セカンドアルバムの「LA59」からは、ロニー・ジェイムス・ディオとなる。この辺りまではロックンロールバンドで、妙に彼のヴォーカルだが ハードな印象を与える。ただ、このセカンドの方はいいアルバムだと思うが。非常にポップで聴きやすい。恐らく曲にはキーボードを担当していたミッキー・ リー・ソウルの影響が強いと思うが、こんなアルバム、知ってる人はよっぽどのロニーファン以外にはいないだろうな。レコードは国内でも発売になったことが あるので、ファーストよりは知られているかも知れない。
サードアルバムは75年の「trying To Burn The Sun」－太陽を燃やそうって、エンゲルベルト・フンパーディンクの全然原タイトルとは違う有名曲みたいなタイトルだが（ちなみにこのエンゲルベルト・フ ンパーディンクって、クラシック聴く人は、「ヘンゼルとグレーテル」っていう有名なオペラを書いた人だと思ってしまうことがある。こちらは、エンゲルベル ト・フンパーディング・・・最後が濁るのだ）。
このサードアルバムは、リッチーブラックモアが参加したとかしないとか、真偽の程は知らないが、確かにリッチーっぽいギターも入っていることは入っている。その上、それまでのロックンロールなELFとは一線を画すような曲調にもなっている。
同時に、この後発表される「リッチー・ブラックモアズ・レインボー」というアルバムにはELFっぽい「Black Sheep Of The Familiy」なんていう曲も入っているので、ELFからレインボーへの移行みたいなものがこのサードからレインボー・ファーストにかけては見られるの で面白い。
このころはまだ、最近のディオみたいなおどろおどろしい歌い方はしていないが、時々リキの入ったコブシみたいなものは既にある。どこかのディオの紹介サイトで、メタル界のサブちゃんみたいな書き方をしていたが、ある意味、言い得て妙という気もしないではない。
ディオのボーカルの魅力は、裏返すと、嫌いな人にはそここそが一番嫌な、からみつくようなコブシ回しにこそあるので、いわば諸刃の剣のような感じだ。例 えば、ロバート・プラントとか、ジョン・アンダーソンとか、グレッグ・レイクとか、ロブ・ハルフォードでもいいんだが、ロニー的な歌手というのは欧米には あまり多くない。ハイトーンでシャウトするみたいな表現に合うのは、例えばイアン・ギランでさえ、それほど演歌っぽくない。
ディオはあの声で、高い音を出す。さすがトランペットで鍛えただけのことはあるが、だがストレートに高いところへ来るのではなく、ロニーならではの、独特な節回しがあるのだ。
だからこそ、オジー・オズボーンの後のブラック・サバスで、そこそこオリジナリティーの高い（レインボー的という言い方もあるだろうが）ボーカルを維持できたのだと思う。オジーの声はやはり、ヨーロッパぽいから。その点、ロニーのボーカルは土着の臭いがする。
リッチー・ブラックモアが、ギラン、デヴィッド・カヴァーデールと来て、どうしてロニーだったのか、実は理解に苦しむところがないわけではない。 もちろん、歌は上手いし、声量はあるし、音楽的な趣味も近い物があったことは伺えるが、だとしても、リッチーがバロックを好きなほど、ロニーは好きじゃな い気がする。
中世的な物への憧れというのは、例えば日本で言えば、戦国時代かぶれみたいな物で、ユーライア・ヒープにしてもウイッシュ・ボーン・アッシュにしても、多くのバンド、特にプログレでは、そういう傾向がある。
レインボーのファーストに入っている「Temple Of The King」やサードの「Kill The King」はもとより、「Gates Of Babylon」「Staegazer」なんていう曲も、実際は中世のお話しではないが、彼らの頭の中には非常に中世的な世界があったであろう事は想像に 難くない。
バッハの音楽というのは中世の音楽ではもとより無く、近世の作曲家だ。
別にその辺りを明確にする必要は全くないが、バッハが大好きと公言してはばからないリッチーが、バンドで演奏したのは第九であって、ブランデンブルク協 奏曲じゃないし、彼はクラシックナイズされていたディープ・パープルの音楽をハードロックに変えてしまった人だから、むしろそういう意味では、ロニーを ハードロックに引きずり込んだら「売れる」に違いないと踏んだのではないか？
そんな気さえしている。
レインボーに関しては以前に書いたので、あまり書くつもりはないが、ロニー・ジェイムス・ディオの音楽は、結局のところ、このレインボーが大きな転回点になっていることは間違いない。
私は個人的にはロニーのファンなので、何でも好きなのだが、メタル・ロニーよりもむしろ、むしろロックンロール・ロニーの方が好きなんだなあ。
さて、レインボー以降のロニーについてはまたいずれ。

　新聞に新国立劇場で上演予定のベルクのオペラ「ルル」が、全３幕完成版から、全２幕版に変更になったという記事が載っていた。全３幕を披露するには歌手の水準が低いという理由からだそうだ。私は今までこういう例は聞いたことがない（あるとは思うが）。
「ルル」の前に、そもそもベルクという作曲家は、シェーンベルク、ウェーベルンと共に新ウィーン楽派の一人で、１２音技法を駆使した音楽を作った。 12音技法とは、ドからシまでの12音を一つの音列として、これの組合せによる変装で音楽を作るものだが、いろいろ決まりがあるらしい。考えてみれば、ド レミファソラシドという学校で習う音階は、ドからシまでの７音で構成されている。音階というのは当然違う周波数の音なのだろうが、５つの全音と２つの半音 という組合せが、どうして調和が取れて聞こえるのだろう？中途半端な感じだ。
半音ずつ上がっていく12音を同じように扱って音楽を作ろうという、純粋に論理的な試みは、面白いと思う。しかしその結果、調性はなくなり、ピアノの黒鍵と白鍵を順番に叩いた時の不気味な音列ができあがる。
そんな仕組みで音楽を造りあげていたベルクという人は、そんなルールの下で、実にロマンティックな音楽を書く人で、ヴァイオリン協奏曲などは名曲だと思う。
そんなベルクには「ヴォツェック」と「ルル」というオペラがある。当然、12音技法で書かれている。メロディーがないというと語弊があるが、いわゆる馴染んだイメージでの調性を持ったメロディーはない。当然歌手の技量は尋常でないものを要求されるだろう。
実は私は、一昨年の１１月に日生劇場の開場40周年記念で行われた二期会と東フィルによる日本での「ルル」３幕版初演を観た。ルルに天羽明惠、シェーン博士と切り裂きジャックに大島幾雄、ゲイシュビッツに小山由美という配役だった。
これは非常に良かった。元々ベルクの音楽は好きだが、「ルル」は、その一部を管弦楽組曲にしたものをCDで聞いたことはあったが、本物は初めてだった。
ストーリーも大時代的なオペラと違い、現代劇であり、非常に腥い感じがするオペラだった。もちろん最後がジャックによる刺殺で幕を下ろすという理由にも よるかも知れないが、12音技法で書かれた音楽というのは、私は絶対そうだと思うのだが、明るい音楽にはなりえない。その殺伐とした音列が、なぜか時折異 様に艶めかしく聞こえたと思うと、容赦なくそれが切り裂かれるといった感じで、とてもスリリングだった。
こういう音楽を聴くと、自分が音楽の勉強をろくにしていないことが腹立たしくなる。もっと何かが判っていたら、もっと面白く観れるのになあ、と言うことだ。
シェーン博士をやっていた大島さんという人は、85年の「ヴォツェック」の初演も、まさにタイトルロールでやっているそうなので、日本では、ベルクのエキスパートと言ってもいいのだろう（っていったって、ベルクのオペラはこの２曲しかないが）。
まあ、そんなオペラが、１年半で、再び演目に上がると言うこと自体がすごいと思うが、どうで未完なので、無理して３幕版でやらなくてもいいのだろうが、やはり話の筋が大分違うので、今回の３幕版から２幕版への変更というのはかなり思い切った決断なのではないだろうか。
歌手の上手い下手は、所詮、私は一介の観客に過ぎないので、結果と、その時の気分でしか判断できないが、「ルル」というオペラは、現代音楽の多くが持 つ、「覚えづらさ」と、「表現のしにくさ」を内包しながら、実は非常によくできたオペラなので（例えばライトモティーフと言われても、１回しか聴いたこと がないと、全く判らなかったりするが）、多分歌手にとっては、必要以上に難物なんだろうな、という予想はつく。
日生の「ルル」、たまたまだが、観ることができたと言うことを感謝したい。そんな風に思った。

　レッド・ツェッペリンと言えば、今更言うまでもなく、伝説的なイギリスのハードロックバンドだ。1969年のデビューで、10枚前後のアルバムを出している（数えていない）。
レッド・ツェッペリンは「ツェッペリン」とかゼップとか日本では言われる。恐らく最も有名な曲は、「天国への階段（Stairway to Heaven)」だろう。「胸一杯の愛を（Whole Lotta Love）」「ロックンロール(Rock’n’rokk)」「移民の歌（Immigrant Song）」「グッドタイムズ・バッドタイムズ（Goodtimes Badtmes)」「永遠の歌（song Remains The Same）」「アキレス最後の戦い（Achilles Last Stand）」等、有名な曲には事欠かない。
個人的な好みとしては、「天国」「アキレス」「永遠」「ゴナ・リーブ・ユー（Babe I’m Gonna Leave You）」「一人でお茶を（Tea for One)」と言ったところだ。
私はロバート・プラントの歌よりも、ジミー・ペイジのギターに比重がある。アルバムは、ジャケットの好みも含めて、「アキレス」と「お茶」が入っている 「プレゼンス（presence）」が一番好きだ。「俺の罪（Nobody’s Fault But Mine)」なんていう印象的な曲も入っている。
ツェッペリンは７０年代の日本では、ディープ・パープルかツェッペリンかというハードロックの２大バンドのようなところがあって、歌謡曲のような パープルよりも、よりブルースなツェッペリン派が何となくかっこよかった。渋谷陽一などはまさにそういう人だった。ラジオ番組でも、「比較するな！」とい う感じだった記憶がある。
ツェッペリンの曲は「聖なる館」「フィジカルグラフィティ」辺りが、あまり面白くない。５枚目６枚目だ。最初の頃の、荒削りだが、なんだか２分ちょっと の曲でも、ものすごいエネルギーが横溢しているような曲が、どうも「天国への階段」辺りで様変わりしている気がする。実際、「天国への階段」が入っている ４枚目の、どこにもジャケットにタイトルが書いてないアルバムでは、その傾向が出ている。レコードのB面、つまり「天国への階段」の後の曲はなんかとらえ どころがない。
「プレゼンス」と「「イン・スルー・ジ・アウトドア」は突然ポップになったような気がしたものだ。「イン・スルー」は、実はアルバムとしてはかなり面白い のだが、際だった曲がない。私はどちらかというと、アルバムの統一感みたいなものより、突出して好きな曲があればその方がずっといいので、「この曲しか聴 かない」CDなんていうのが結構ある。
今でも、パープル系のバンドは、ツェッペリンに比べて評価が低いが、実はパープル系のバンド・・・・というかリッチー・ブラックモアの書いた楽曲 というのは、非常にテレビなどでよく使われる。確かに同じハードロックでも傾向は全く違っていて、私などは敢えて、「歌謡曲」と「ブルース」という言い方 をするが（ブルースったって、青江美奈じゃない・・・青江美奈は青江美奈で素晴らしいが）、意外と的を射ていると私は思っている。
それと、ジミー・ペイジの影のある容姿、煙草をくわえてツインリードのギターを弾く姿などがとてもかっこいい。ちょっと禿げかけたリッチーのギョロ目とは大分違っていたりするのだ。でも、私はどちらも好きだ。甲乙は付けがたい。
ロバート・プラントの驚異的に高い音域は、到底カラオケなどで歌っても出るはずもないので・・・・イアン・ギランも一緒かな？それにもあこがれたりしてしまうが。
ツェッペリンが解散したのは、ドラマーのボンゾことジョン・ボーナムが死んだからだが、そういう意味でも、メンバーチェンジをやたら繰り返していたパープル系の人たちと、４人でワンセットのようなツェッペリンとは大分違う気がする。